Giacomo Bucci
Giacomo Bucci approfondisce e sviluppa negli anni ’70 e poi negli anni Duemila la ricerca del movimento nella fotografia artistica contemporanea.
La fotografia movimentista fa della luce il pennello e della pellicola la sua tela. Il risultato è una fotografia astratta, talvolta fantastica e surreale.
Bucci usa proprio il movimento della macchina fotografica come tavolozza per sfumare le luci e mescolare i colori. Deframmenta l’immagine e la ripropone in una nuova forma espressiva.
Non cerca il movimento cinematografico. Gli interessa piuttosto strappare dall’oblio del tempo alcuni frammenti di vita per rappresentare non solo la loro immagine reale nello spazio ma anche la loro vera anima nel tempo.
Prima con la pellicola diapositiva e poi con il digitale Bucci conduce la sua ricerca producendo opere di fotografia futurista contemporanea.
Fotografia futurista contemporanea
Rappresentando in fotografia una visione trasfigurata della realtà il fotodinamismo conserva la verità del luogo e del momento fotografato.
Con il suo fotodinamismo contemporaneo Giacomo Bucci fonde insieme questi due aspetti apparentemente contrastanti.
Il primo, grazie all’interazione dinamica tra il mezzo fotografico e il soggetto, è finalizzato a raccogliere nella stessa immagine più significati della realtà.
Il secondo invece riguarda la visione creativa, così come si è realizzata nella mente del fotografo durante il rapporto empatico con il soggetto.
La ricerca di Giacomo Bucci è rivolta alla fotografia nella sua accezione classica. Infatti tutte le sue foto sono il risultato di un unico scatto, senza filtri creativi in ripresa e senza manipolazione grafico pittorica in post produzione.
Il pensiero di Giacomo Bucci
A chi mi chiede cosa voglio esprimere con la fotografia rispondo che mi interessa scoprire la bellezza della vita attraverso la dematerializzazione dell’immagine visibile nello spazio e la sua ricomposizione con la realtà aumentata della sua essenza nel tempo.
Perciò riprendo soggetti nel loro ambiente naturale, senza artifizi o trasformismi di scena e lascio che le mie fotografie si raccontino da sole, a me e a chi le vuole osservare.
I bravi fotografi riescono a cogliere l’anima del soggetto in un momento decisivo tendente al millesimo di secondo. Io no, ho bisogno di più tempo. Da me l’anima non si fa trovare così facilmente. Per scovarla, rincorrerla, afferrarla e catturarla sul piano focale ho bisogno almeno di un secondo o al massimo di un ottavo di secondo.
Le mie fotografie pubblicate negli anni ’60 non raggiungevano l’espressività che volevo, cosi decisi di dedicarmi alla ricerca di un nuovo linguaggio fotografico che mettesse in evidenza non solo il dinamismo reale del soggetto ma soprattutto l’intrinseca essenza della sua natura: l’anima.
Per concentrare la mia ricerca sull’anima andavo cercando soggetti rigorosamente immobili e li riprendevo con strani movimenti della macchina fotografica sperando che succedesse qualcosa di magico.
Infine, dopo alcuni anni di tentativi e una quantità di rullini di diapositive Kodachrome II°, nel 1969 realizzai la mia prima fotografia mossa con l’anima: l’avevo trovata davanti al portale di Santa Maria delle Grazie a Milano.
Nel 1973 furono pubblicate alcune mie fotografie sulle riviste di settore. Fu allora che mi illusi di aver inventato le regole del mosso creativo leggendo la recensione di Ando Gilardi su PHOTO 13 di Giugno 1973.
Venendo però a conoscenza per la prima volta nell’aprile del 1974 delle opere fotografiche di Anton Giulio Bragaglia mi accorsi di non essere stato il primo ad utilizzare il mosso in fotografia e capii di aver trovato il maestro della fotografia movimentista: potevo solo sperare di diventarne erede.
A vent’anni avevo un sogno: speravo di potermi dedicare tutta la vita alla fotografia e diventare un grande fotografo. Perciò andavo bussando alle porte delle agenzie pubblicitarie e delle riviste di costume a Milano e a Londra presentando il mio portfolio. Tutti erano incuriositi dal mio stile innovativo ma si dicevano dispiaciuti di non poter utilizzare commercialmente le fotografie mosse. Io li capivo.
Poi, quando negli anni settanta alcuni redattori di riviste fotografiche e gallerie decisero di pubblicare i miei lavori, toccavo il cielo con un dito e li ringraziavo perché non si facevano pagare lo spazio che mi concedevano.
La sola committenza che ho ottenuto è stata quella della Decca Record nel 1974 per la copertina di un disco di musica classica. Mi fruttò 20 sterline ma ne spesi di più per recarmi fuori Londra a fotografare il celebre tenore Joseph Rouleau. Da allora imparai a non contare sulle committenze.
Il sogno artistico
Per non tradire però il grande amore che avevo per la fotografia movimentista decisi di non dedicarmi ad altri tipi di fotografia, anche se più remunerativi, e diventai il committente di me stesso. Il mio lavoro di grafico avrebbe dovuto supportarmi economicamente per il tempo necessario a realizzare il sogno di fotografo artistico.
Ero libero di fotografare quello che volevo, con un solo limite: le foto dovevano cogliere la vera anima del frammento di vita che riprendevo. Se venivano bene le stampavo e le proponevo come quadri al mio amico Edoardo Legrenzi che li vendeva ad amici e parenti. Quanti? Pochi. Ma non per colpa sua: erano troppo mossi.
Alla mia prima mostra personale tenuta nel 1974 alla “The Photographer’s Gallery” di Londra i miei quadri venivano venduti a 25 sterline ciascuno. Non chiedetemi quanti ne ho venduti.
La seconda mostra personale a “Il Diaframma” di Milano mi fu proposta invece da Lanfranco Colombo nel 1975 quando entrai a far parte di “Dimensione“, il gruppo di fotografi avanguardisti di Brera.
Meglio uscirne almeno sentimentalmente
Così, per mancanza di committenze e per non tradire la mia visione artistica della fotografia, nel 1976 abbandonai la professione di fotografo e il mio sogno, aderendo in piena coscienza al suggerimento che mi diede Ando Gilardi su PHOTO 13 di Aprile 1974 :
“Bisognerebbe Bucci fosse morto, allora sì: il valore può essergli dato ufficialmente senza pericoli. Mulas insegna. Ma noi auguriamo a Bucci l’insuccesso: che è come augurargli lunga vita. E gli ripetiamo qui, quanto gli abbiamo detto a voce: l’immagine è una cosa bella e seria, ma il suo mondo, cioè l’ambiente della sua produzione e dei suoi consumi no: è brutto, meschino, amministrato da gaglioffi. Meglio uscirne almeno sentimentalmente”.
Nel 2018, al risveglio da un lungo letargo durato 43 anni, la musa della fotografia movimentista mi ha richiamato e, incoraggiato da autorevoli esponenti dell’arte e della fotografia, sono ritornato a fotografare.
In Italia negli anni settanta del Novecento pochi sostenevano che, come la pittura, anche la fotografia doveva essere riconosciuta vera forma d’arte. Io ero tra questi e credevo ingenuamente di dare un contributo ad avvicinare la fotografia al mondo dell’arte proponendo le mie fotografie come quadri.
In più sceglievo di fotografare solo a colori con pellicola diapositiva che, pur consentendo riproduzioni e stampe, conferiva all’opera fotografica la natura di esemplare unico e originale, proprio come avviene per la tela di un quadro.
Pensavo che avvicinare la fotografia all’iconografia pittorica avrebbe favorito il suo riconoscimento artistico. Niente di più sbagliato. La storia ha dimostrato che la fotografia è arte in sé e, per esserlo, non ha bisogno di confrontarsi con la pittura così come la pittura non lo fa con le altre arti.
Il codice binario
Da quando la fotografia viene riconosciuta vera forma d’arte non sostengo più l’unicità delle mie fotografie e, ancor di più, non mi serve l’analogico. Trovo che il digitale sia il mezzo giusto per rappresentare l’anima dei frammenti di vita che fluttuano nel tempo e nello spazio. Ad una condizione però: che il file digitale ottenuto in ripresa non venga poi manipolato graficamente in fase di post-produzione.
Sento che l’anima che attraversa l’obiettivo si concede sul piano focale solo a condizione che venga rispettata la sua originalità. Perciò sono vietate le mirabolanti tecniche grafiche digitali per migliorarla. Bisogna accettare che sia solo quello che vuole essere: non perfetta e magnifica ma vera e autentica. E’ una questione di onestà intellettuale.
Così come la rappresentazione dell’universo si descrive in una sequenza di numeri e di formule, altrettanto l’immagine raccolta dalla fotocamera digitale si esprime in un codice binario, univoco e finito.
Allora il vero originale è proprio quel codice binario capace di restituire, sempre perfettamente uguale a se stesso, il frammento di vita catturato sul piano focale e perso per sempre dopo lo scatto.
Per riassaporare l’emozione che evoca la sua immagine basta un mezzo di riproduzione digitale e un click.
Mi è sempre piaciuto raccontare la storia dei frammenti di vita catturati con la mia macchina fotografica. Così sono nate le “raccolte” di fotografia movimentista.
Però non mi sarei mai aspettato che rappresentando in immagini astratte il mondo reale avrei lasciato traccia, come Pollicino, della mia storia personale.
Mancano all’appello gli anni dedicati al mondo del management, tuttavia sono presenti i miei momenti più entusiasmanti, quelli che ho vissuto con la macchina fotografica in mano.
Le settecento diapositive di fotografia movimentista che ho prodotto fino al 1976 ricordano proprio la mia giovinezza mentre le migliaia di fotografie movimentiste scattate con la fotocamera digitale dal 2018 in poi raccontano gli affetti e i luoghi della mia senilità.
In questi racconti rivedo tutti i momenti e le emozioni vissute in ogni scatto e ringrazio la fotografia per avermi insegnato a scoprire nell’anima delle cose la bellezza del creato.
La fotografia riduce a due dimensioni la realtà tridimensionale in cui sono immerse le cose. La fotografia movimentista, utilizzando un tempo lungo durante lo scatto, alle due dimensioni ne aggiunge un’altra, quella della vita.
